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sábado, 3 de septiembre de 2022

EL BAÑO EN LA GRANJA JOAQUIN SOROLLA


EL BAÑO EN LA GRANJA 1903

El baño en la Granja 
óleo sobre lienzo 83x 106 cm
Museo Sorolla Madrid 
EL BAÑO EN LA GRANJA 1903



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El rey se había instalado durante el verano en el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso. Había encargado a Sorolla un retrato en pie y este aprovechó la estancia para realizar numerosas telas en un contexto diferente al de las escenas de playa que pintaba cerca de Valencia.



Aquí, según José Manuel Benito, el cuadro representa a Jesús y a Juliana Fernández y Pérez, hijos de quien estaba entonces a cargo del patrimonio del palacio de La Granja. Jesús (1903-1929) En el primer plano un niño está desnudo en bajo los árboles en la orilla del río y otro niño ayuda a la pequeña a quitarse la ropa  En el segundo plano está Juliana. Se mantiene apoyada al fondo sobre un tronco con ropa bajo sus brazos.



 Las pinceladas son largas y captan extraordinariamente bien la luz y los maravillosos tonos : marrones , verdes y blancos 



Tamara Tamaral

3 septiembre 2022


Bibliografia : Wikipedia 




MALVARROSAS KARL FRIESEKE

MALVARROSAS 1912- 1913
Malvarrosas
óleo sobre lienzo 80, 7 x 60, 7 cm
Colección Carmen Thyssen 




Durante las dos primeras décadas del siglo XX, Frieseke se recluyó en «Le Hameau», una casa vecina a la residencia de Monet en Giverny, y pintó imágenes de un mundo idílico. No le interesaban ni la vida urbana ni el arte moderno, y se jactaba de que muy raramente leía el periódico. En cambio, Frieseke optó por perpetuar una visión impresionista de finales del siglo XIX, mucho después de que el propio Monet hubiera modificado notablemente sus objetivos y métodos.

El tema de la mujer monumental y elegante portando una sombrilla aparece con frecuencia en las obras de Monet y de Renoir de las décadas de 1870 y 1880, y en la producción de Frieseke entre 1909 y 1915. Aunque el pintor solía hablar con desdén de las convenciones, sus figuras femeninas de cuerpo entero y sus desnudos de mujer recuerdan los de Renoir -al que consideraba como «jefe de los impresionistas»- y mentalmente también las asociaba con las de otros artistas que rindieron homenaje a la gracia femenina, entre ellos Botticelli, Tiziano y Watteau. En esta composición, la figura de la mujer, situada en posición central y para la que probablemente posó la esposa del artista, se articula en forma de masa suave y continua. Frieseke ha enmarcado su silueta curvilínea sobre una trama vertical y horizontal de flores y senderos y su solidez contrasta con un decorativo fondo creado a base de pequeñas y deslumbrantes pinceladas. En el método del artista, el dibujo desempeña un papel fundamental. Mediante un tratamiento simétrico del lienzo cuadrado, subraya la calidad plana y decorativa de la superficie y deja que la figura flote sobre ella. La composición gira en torno a la sólida figura femenina colocada en el centro.

Frieseke admitió abiertamente que este planteamiento de la naturaleza era selectivo. Aunque seguía los dictados del «Impresionismo puro» que Monet estableció en la década de 1870, también se esforzó por plasmar de la forma más espontánea posible sus sentimientos frente a la naturaleza, tratando de observar los fugaces efectos de la luz y del color desde una perspectiva científica. Muy aficionado a la experimentación impresionista, pintó al aire libre y del natural, tratando de captar efectos nuevos y accidentales.

En Malvarrosas Frieseke transmite el calor y la luz de una tarde de verano, acentuando los contrastes entre las pinceladas de color negro, azul muy saturado y verde con los amarillos puros y los intensos rosas y malvas. Consigue algo así como un tour de force técnico con el efecto de las formas iluminadas desde atrás, lo que acentúa la sensación de luz de última hora de la tarde. Al llamar la atención del espectador sobre los extraños juegos de luz, Frieseke pone de manifiesto su fascinación por la fugacidad de la naturaleza. Con los contornos de la mujer bañados en un suave fulgor y la luz que penetra por la translúcida tela de la sombrilla japonesa y el delicado tejido de los pétalos, el tratamiento que el artista da a la luz se pone principalmente al servicio de su constante fascinación ante los misterios privados del mundo femenino.



Tamara Tamaral
3 septiembre 2022
Bibliografia: Carmen Thyssen

viernes, 2 de septiembre de 2022

FRISO DE BEETHIOVEN GUSTAV KLIMT

FRISO DE BEETHIOVEN 1902
El anhelo de felicidad satisfecho en poesía ( detalle del Friso de Beethoven ) técnica mixta de yeso 2,2 x 13, 8 cm
Osterreischische Galerie , Viena


 
 

En la primavera de 1902 tuvo lugar lo que sería la manifestación artística más importante de la época que nacía en el nuevo siglo : la dedicación de la XIV Exposición de la Secesión vienesa a Beethoven . La exposición fue concebida como una monografía a partir del monumental grupo escultórico que Max Klinger había consagrado al compositor y para el cual Josef Hoffmann diseñó el espacio  arquitectónico que albergaría la pieza central y el resto de obras que la secundarían


Las escenas que integran el ciclo han sido interpretadas como una representación simbólica del último movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven . El músico compuso el final coral de la pieza sobre el texto de Schiller Oda a la alegria , concretamente sobre las estrofas que expresaba la idea de fraternidad universal del hombre condensada en la alegría y su establecimiento en la creencia del amor eterno del padre celestial 


Muro izquierdo ( Fig 1 ) El anhelo de felicidad está representado por las figuras femeninas suspendidas en el aire que encuentran reposo en la Poesia ( figura femenina que toca la cítara ) A continuación hay un espacio blanco en el muro. Klimt lo dejó intencionadamente Había una abertura en la pared , esta ofrecía una vista a la escultura de Beethoven hecha por Max Klinger 




Poderes hostiles ( detalle del Friso de Beethoven )
Técnica mixta sobre yeso 2,2 x 6 , 36 m
Osterreichische Galeria Viena 

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Muro central : El gigante Tifeo, con el que incluso los dioses lucharon en vano , está representado por un monstruo alado , un enorme mono peludo alado que simboliza la torpe Materia : sus hijas, las tres Gorgonas con serpientes en el cabello , lo acompañan como fuerzas hostiles ( del lado izquierdo ) . A ellos se unen la Enfermedad , la Locura y la Muerte
( las cabezas como de muñecas y la anciana tras ellas, quienes acechan  desde detrás La Lujuria , la Impudicia y la Incontinencia ( las tres figuras femeninas junto al monstruo ) se suman al bando enemigo.

Muro central ( continuación ) La Pena aguda ( en cuclillas ) muestra su esquelética figura miserable. El anhelo de felicidad de la humanidad logra alejarse volando por encima.




El anhelo de felicidad satisfecho en poesía ( detalle del Friso de Beethoven ) técnica mixta de yeso 2,2 x 13, 8 cm
Osterreischische Galerie , Viena


 
 
Muro derecho : Las Artes ( cinco figuras femeninas dispuestas unas sobre otras ) apuntan al reino de las ideas , los ideales y la Felicidad. Apuntan específicamente , a un coro de ángeles del Paraíso del cual representan el canto de los versos : " Alegría , hermosa chispa de los dioses , hija del Eliseo ¡ ( ....) ! Abrazaos, criaturas innumerables ! ! Que este beso alcance al mundo entero ! " 

Tales versos provienen de la Oda a la Alegria, oda de Frederich Shiller , que sirvió de inspiración e hilo conductor a Beethoven , para componer su Novena Sinfonía . A la derecha el caballero llega al final del viaje y desnudo se hunde en ese maravilloso beso aludido por los versos , convirtiendo su entorno en algo celestial . Así, se representa que son las Artes las que conducen al Reino ideal, el único al que podemos encontrar alegría pura, felicidad pura y amor puro.


Tamara Tamaral
2 septiembre 2022


Bibliografia Wikipedia


ROSALES DEBAJO DE LOS ARBOLES GUSTAV KLIMT

                     ROSALES DEBAJO DE LOS ARBOLES 1905
Rosales debajo de los árboles
óleo sobre lienzo 



Rosales debajo de los árboles Fue realizada , como la mayoría de los paisajes de Klimt , durante las vacaciones del verano en Liztberg en el verano de 1904 y 1905 . El lienzo está cubierto por pinceladas de color o breves trazos de pincel a la manera de un motivo decorativo de un mosaico . Los paisajes de Klimt demuestran una abstracción creciente , pese a que siga trabajando a partir del motivo 

Las frondosidades , que suceden a una estrecha banda de pradera horizontal , constituyen el corazón de la composición . Klimt desarrolla en todo el cuadro una red de toques de color que van del verde claro al verde oscuro , contrastando con colores malvas y amarillos. Estos moteados provocan una disolución de los elementos del paisaje y sólo características elementales - los troncos sugeridos y las infimas modulaciones de colores entre los diferentes follajes permiten identificar un vergel . Sólo pequeñas aperturas en los ángulos superiores izquierdo y derecho , permiten tener una vista del cielo. 


Al contrario de los impresionistas ., Klimt se interesa por las variaciones plásticas de los neoimpresionistas , utilizando el conocimiento de la pintura francesa para elaborar un lenguaje formal eminentemente personal. Finalmente, la opción ornamental cubre y excluye el paisaje al que tapa deliberadamente como bajo el impulso de un horror al vacío 



                                        Tamara Tamaral

                                         2 septiembre 2022




Bibliografia : Museo de Orsay 

LA CHARLA PAUL GAUGUIN

LA CHARLA 1891
La charla
óleo sobre lienzo 70, 5 x 90,3 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo




La charla ( titulo tahitiano Parau, Parau ) La charla o las charlatanas es un cuadro de Paul Gauguin hecho en 1891 , fue una de las primeras obras durante su estancia en Tahiti. 


Un grupo de tahitianas sentadas en circulo están enfrascadas tranquilamente en una conversación . Gauguin las retrata de forma distanciada, integradas en el colorido del paisaje . El cuadro recuerda los paisajes que el pintor había hecho de la Martinica cuatro años atrás con una textura rica . Los colores y contornos estás suavizados, la luz está moderada por una atmósfera que parece penetrar las figuras , el suelo y los árboles puliendo las formas mientras conserva el diseño.




Tamara Tamaral
2 septiembre 2022



Bibliografia : Wikipedia

 

PAISAJE DE TAHITI PAUL GAUGUIN


PAISAJE DE TAHITI 1891
Paisaje de Tahiti
óleo sobre lienzo 67 x 92, 4cm
Minneapolis Institute Art





Gauguin llegó a Papeete en el mes de julio de 1891, habiendo recibido ayuda del Ministerio de Educación Pública para el pasaje a cambio de realizar una serie de imágenes sobre Tahití y sus gentes. Posiblemente sea este paisaje uno de los integrantes de la serie, incorporando en él los ingredientes necesarios de una vista tropical, desde las altas palmeras a las montañas pasando por el nativo de primer plano. 




Quizá sea una imagen tomada directamente del natural o podemos estar ante el producto de la fecunda imaginación del pintor. Gauguin pretende mostrar lo salvaje y lo primitivo que había en esas islas, en este caso a través del impactante color. Amarillos, verdes, morados y naranjas crean una escena envidiable en la que se encontrarían elementos aún 
impresionistas - la pincelada de algunas zonas y las sombras coloreadas - junto a la aplicación plana del color siguiendo la estampa japonesa. Con esta obra se pone de manifiesto el hechizo de Gauguin ante el lugar elegido para su evasión del mundo occidental.




Tamara Tamaral
2 septiembre 2022



Bibliografia Artehistoria


MUCHACHA AL PIANO ( LA OBERTURA DE TANHÄUSER ) PAUL CEZANNE


MUCHACHA AL PIANO ( LA OBERTURA DE TANHÄUSER )  1869
Muchacha al piano ( la obertura de Tanhäuser )
óleo sobre lienzo 57 x 92 
Museo Ermitage, San Petesburgo



Un interior burgués , una joven al piano ( su querida hermana Rose Cézanne ) y otra mujer de más edad , sentada en un diván cosiendo. El pintor escoge la intimidad de una casa de provincias para poner en escena su profunda fascinación por la música de Richard Wagner , ofreciendo un homenaje humilde y poético a Tanhäuser, la obra del compositor alemán representada por primera vez en París en 1861.


Cézanne comparte con Baudelaire , con el pintor Bazille y con muchos intelectuales franceses el amor por las turbulentas y apasionadas atmósferas wagnerianas 


En 1885 Cézanne hace la primera versión de un cuadro titulado Tanhäuser , a la que seguirá una segunda que el pintor no obstante abandonará Una tercera versión que realizó a finales de los sesenta, llagando a esta escena íntima y en tono menor a la que encomienda la misión de representar el contraste entre la monotonía de la vida provinciana y la irreprimible aspiración al arte ,encarnada por la muchacha al piano . Cézanne retoma en clave simbólica , el feroz dualismo que opone carne y espíritu , tierra y cielo , en el cual se cifraba a juicio de Baudelaire el significado profundo de la obra wagneriana , ya admirablemente anticipado por la obertura


Tamara Tamaral

2 septiembre 2022


Bibliografia : Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo
 

VEGETACIÓN TROPICAL EN LA MARTINICA PAUL GAUGUIN

VEGETACIÓN TROPICAL EN LA MARTINICA 1887 Vegetación tropical en la Martinica  óleo sobre lienzo 115 x 88,5 cm Nacional Galeria Escocia Gaugu...