VEGETACIÓN TROPICAL EN LA MARTINICA PAUL GAUGUIN

VEGETACIÓN TROPICAL EN LA MARTINICA 1887

Vegetación tropical en la Martinica 
óleo sobre lienzo 115 x 88,5 cm
Nacional Galeria Escocia

Gauguin estuvo varios meses en la Martinica, junto con el pintor Charles Laval. Venían de trabajar en el Canal de Panamá para pagarse el viaje. Se instalaron en Le Carbet, cerca de la antigua capital Saint-Pierre.

La bahía de Saint-Pierre ofrece una vista espléndida desde Morne de Orange, el cerro situado al sur cerca de Le Carbet. Arriba de la colina hay una llanura sin vegetación, y un monumento a Notre-Dame-du-Port. Al norte se encuentra la Montaña Pelée, un volcán que entró en erupción en 1902, quince años después de pintar el cuadro, destruyendo la antigua capital y toda la zona.

El paisaje es la vista de la bahia de Saint- Pierre desde Morne de Orange , pero Gauguin añade intencionadamente la vegetación eliminando todos los elementos de la civilización . Probablemente , la vegetación pintada era la que había cerca de Carbet y Gauguin la trasladó a la colina añadiéndola detrás de la bahía

Tamara Tamaral

3 septiembre 2022

Bibliografia Wikipedia

EN LA COSTA DEL PACÍFICO GREGORY FANK HARRIS

EN LA COSTA DEL PACÍFICO 1953

En la costa del Pacífico
óleo sobre lienzo 
Colección privada

Gregory Frank Harris Nació en el sur de California. Hijo de madre pintora y padre minero . Comenzó a dibujar y esculpir en barro a la edad de cinco años . A los ocho años comenzó a cantar y tocar el piano de oídos. Durante sus años de estudios primarios y secundarios , tomó clases de música y arte.

Más tarde se trasladó a la Costa Oeste donde inicia sus estudios de arte en la Art Studens League Nueva York en 1985 Luego se mudó a Duxbury Massachusetts para instalarse definitivamente en Santa Fe, donde reside y trabaja en la actualidad 

Los óleos y pasteles de Frank Harris revelan una influencia de la escuela de Barbizon , de los pintores de la Belle Epoque y del impresionismo francés y americano . Su técnica es un dominio absoluto de la pintura de " plein air " de pincelada fluida y expresiva.

La obra En la costa del Pacífico presenta indudables influencias de Monet  de  Singer Sargent  y de Sorolla.  Las protagonistas son tres mujeres que se hayan detenidas en la playa  en un dia soleado en el que parece que no corre ningún flujo de aire y las olas producen una sensación de bravia  Una de ellas lleva el pelo recogido en un elegante moño y un sombrilla y unos bellas faldas de color rosa y blanco Las pinceladas son largas , fluidas y expresivas

Tamara Tamaral

3 septiembre 2022

Bibliografia : Trianarts 

EL BAÑO EN LA GRANJA JOAQUIN SOROLLA

EL BAÑO EN LA GRANJA 1903

El baño en la Granja 
óleo sobre lienzo 83x 106 cm
Museo Sorolla Madrid 

EL BAÑO EN LA GRANJA 1903

]

El rey se había instalado durante el verano en el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso. Había encargado a Sorolla un retrato en pie y este aprovechó la estancia para realizar numerosas telas en un contexto diferente al de las escenas de playa que pintaba cerca de Valencia.

Aquí, según José Manuel Benito, el cuadro representa a Jesús y a Juliana Fernández y Pérez, hijos de quien estaba entonces a cargo del patrimonio del palacio de La Granja. Jesús (1903-1929) En el primer plano un niño está desnudo en bajo los árboles en la orilla del río y otro niño ayuda a la pequeña a quitarse la ropa  En el segundo plano está Juliana. Se mantiene apoyada al fondo sobre un tronco con ropa bajo sus brazos.

 Las pinceladas son largas y captan extraordinariamente bien la luz y los maravillosos tonos : marrones , verdes y blancos 

Tamara Tamaral

3 septiembre 2022

Bibliografia : Wikipedia 

MALVARROSAS KARL FRIESEKE

MALVARROSAS 1912- 1913

Malvarrosas
óleo sobre lienzo 80, 7 x 60, 7 cm
Colección Carmen Thyssen 

Durante las dos primeras décadas del siglo XX, Frieseke se recluyó en «Le Hameau», una casa vecina a la residencia de Monet en Giverny, y pintó imágenes de un mundo idílico. No le interesaban ni la vida urbana ni el arte moderno, y se jactaba de que muy raramente leía el periódico. En cambio, Frieseke optó por perpetuar una visión impresionista de finales del siglo XIX, mucho después de que el propio Monet hubiera modificado notablemente sus objetivos y métodos.

El tema de la mujer monumental y elegante portando una sombrilla aparece con frecuencia en las obras de Monet y de Renoir de las décadas de 1870 y 1880, y en la producción de Frieseke entre 1909 y 1915. Aunque el pintor solía hablar con desdén de las convenciones, sus figuras femeninas de cuerpo entero y sus desnudos de mujer recuerdan los de Renoir -al que consideraba como «jefe de los impresionistas»- y mentalmente también las asociaba con las de otros artistas que rindieron homenaje a la gracia femenina, entre ellos Botticelli, Tiziano y Watteau. En esta composición, la figura de la mujer, situada en posición central y para la que probablemente posó la esposa del artista, se articula en forma de masa suave y continua. Frieseke ha enmarcado su silueta curvilínea sobre una trama vertical y horizontal de flores y senderos y su solidez contrasta con un decorativo fondo creado a base de pequeñas y deslumbrantes pinceladas. En el método del artista, el dibujo desempeña un papel fundamental. Mediante un tratamiento simétrico del lienzo cuadrado, subraya la calidad plana y decorativa de la superficie y deja que la figura flote sobre ella. La composición gira en torno a la sólida figura femenina colocada en el centro.

Frieseke admitió abiertamente que este planteamiento de la naturaleza era selectivo. Aunque seguía los dictados del «Impresionismo puro» que Monet estableció en la década de 1870, también se esforzó por plasmar de la forma más espontánea posible sus sentimientos frente a la naturaleza, tratando de observar los fugaces efectos de la luz y del color desde una perspectiva científica. Muy aficionado a la experimentación impresionista, pintó al aire libre y del natural, tratando de captar efectos nuevos y accidentales.

En Malvarrosas Frieseke transmite el calor y la luz de una tarde de verano, acentuando los contrastes entre las pinceladas de color negro, azul muy saturado y verde con los amarillos puros y los intensos rosas y malvas. Consigue algo así como un tour de force técnico con el efecto de las formas iluminadas desde atrás, lo que acentúa la sensación de luz de última hora de la tarde. Al llamar la atención del espectador sobre los extraños juegos de luz, Frieseke pone de manifiesto su fascinación por la fugacidad de la naturaleza. Con los contornos de la mujer bañados en un suave fulgor y la luz que penetra por la translúcida tela de la sombrilla japonesa y el delicado tejido de los pétalos, el tratamiento que el artista da a la luz se pone principalmente al servicio de su constante fascinación ante los misterios privados del mundo femenino.

Tamara Tamaral

3 septiembre 2022

Bibliografia: Carmen Thyssen

FRISO DE BEETHIOVEN GUSTAV KLIMT

FRISO DE BEETHIOVEN 1902

El anhelo de felicidad satisfecho en poesía ( detalle del Friso de Beethoven ) técnica mixta de yeso 2,2 x 13, 8 cm
Osterreischische Galerie , Viena

 
 

En la primavera de 1902 tuvo lugar lo que sería la manifestación artística más importante de la época que nacía en el nuevo siglo : la dedicación de la XIV Exposición de la Secesión vienesa a Beethoven . La exposición fue concebida como una monografía a partir del monumental grupo escultórico que Max Klinger había consagrado al compositor y para el cual Josef Hoffmann diseñó el espacio  arquitectónico que albergaría la pieza central y el resto de obras que la secundarían

Las escenas que integran el ciclo han sido interpretadas como una representación simbólica del último movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven . El músico compuso el final coral de la pieza sobre el texto de Schiller Oda a la alegria , concretamente sobre las estrofas que expresaba la idea de fraternidad universal del hombre condensada en la alegría y su establecimiento en la creencia del amor eterno del padre celestial 

Muro izquierdo ( Fig 1 ) El anhelo de felicidad está representado por las figuras femeninas suspendidas en el aire que encuentran reposo en la Poesia ( figura femenina que toca la cítara ) A continuación hay un espacio blanco en el muro. Klimt lo dejó intencionadamente Había una abertura en la pared , esta ofrecía una vista a la escultura de Beethoven hecha por Max Klinger 

Poderes hostiles ( detalle del Friso de Beethoven )
Técnica mixta sobre yeso 2,2 x 6 , 36 m
Osterreichische Galeria Viena 

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Muro central : El gigante Tifeo, con el que incluso los dioses lucharon en vano , está representado por un monstruo alado , un enorme mono peludo alado que simboliza la torpe Materia : sus hijas, las tres Gorgonas con serpientes en el cabello , lo acompañan como fuerzas hostiles ( del lado izquierdo ) . A ellos se unen la Enfermedad , la Locura y la Muerte

( las cabezas como de muñecas y la anciana tras ellas, quienes acechan  desde detrás La Lujuria , la Impudicia y la Incontinencia ( las tres figuras femeninas junto al monstruo ) se suman al bando enemigo.

Muro central ( continuación ) La Pena aguda ( en cuclillas ) muestra su esquelética figura miserable. El anhelo de felicidad de la humanidad logra alejarse volando por encima.

El anhelo de felicidad satisfecho en poesía ( detalle del Friso de Beethoven ) técnica mixta de yeso 2,2 x 13, 8 cm
Osterreischische Galerie , Viena

 
 

Muro derecho : Las Artes ( cinco figuras femeninas dispuestas unas sobre otras ) apuntan al reino de las ideas , los ideales y la Felicidad. Apuntan específicamente , a un coro de ángeles del Paraíso del cual representan el canto de los versos : " Alegría , hermosa chispa de los dioses , hija del Eliseo ¡ ( ....) ! Abrazaos, criaturas innumerables ! ! Que este beso alcance al mundo entero ! " 

Tales versos provienen de la Oda a la Alegria, oda de Frederich Shiller , que sirvió de inspiración e hilo conductor a Beethoven , para componer su Novena Sinfonía . A la derecha el caballero llega al final del viaje y desnudo se hunde en ese maravilloso beso aludido por los versos , convirtiendo su entorno en algo celestial . Así, se representa que son las Artes las que conducen al Reino ideal, el único al que podemos encontrar alegría pura, felicidad pura y amor puro.

Tamara Tamaral

2 septiembre 2022

Bibliografia Wikipedia

ROSALES DEBAJO DE LOS ARBOLES GUSTAV KLIMT

                     ROSALES DEBAJO DE LOS ARBOLES 1905

Rosales debajo de los árboles
óleo sobre lienzo 

Rosales debajo de los árboles Fue realizada , como la mayoría de los paisajes de Klimt , durante las vacaciones del verano en Liztberg en el verano de 1904 y 1905 . El lienzo está cubierto por pinceladas de color o breves trazos de pincel a la manera de un motivo decorativo de un mosaico . Los paisajes de Klimt demuestran una abstracción creciente , pese a que siga trabajando a partir del motivo 

Las frondosidades , que suceden a una estrecha banda de pradera horizontal , constituyen el corazón de la composición . Klimt desarrolla en todo el cuadro una red de toques de color que van del verde claro al verde oscuro , contrastando con colores malvas y amarillos. Estos moteados provocan una disolución de los elementos del paisaje y sólo características elementales - los troncos sugeridos y las infimas modulaciones de colores entre los diferentes follajes permiten identificar un vergel . Sólo pequeñas aperturas en los ángulos superiores izquierdo y derecho , permiten tener una vista del cielo. 

Al contrario de los impresionistas ., Klimt se interesa por las variaciones plásticas de los neoimpresionistas , utilizando el conocimiento de la pintura francesa para elaborar un lenguaje formal eminentemente personal. Finalmente, la opción ornamental cubre y excluye el paisaje al que tapa deliberadamente como bajo el impulso de un horror al vacío 

                                        Tamara Tamaral

                                         2 septiembre 2022

Bibliografia : Museo de Orsay 

LA CHARLA PAUL GAUGUIN

LA CHARLA 1891

La charla
óleo sobre lienzo 70, 5 x 90,3 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo

La charla ( titulo tahitiano Parau, Parau ) La charla o las charlatanas es un cuadro de Paul Gauguin hecho en 1891 , fue una de las primeras obras durante su estancia en Tahiti. 

Un grupo de tahitianas sentadas en circulo están enfrascadas tranquilamente en una conversación . Gauguin las retrata de forma distanciada, integradas en el colorido del paisaje . El cuadro recuerda los paisajes que el pintor había hecho de la Martinica cuatro años atrás con una textura rica . Los colores y contornos estás suavizados, la luz está moderada por una atmósfera que parece penetrar las figuras , el suelo y los árboles puliendo las formas mientras conserva el diseño.

Tamara Tamaral

2 septiembre 2022

Bibliografia : Wikipedia

 

PAISAJE DE TAHITI PAUL GAUGUIN

PAISAJE DE TAHITI 1891

Paisaje de Tahiti
óleo sobre lienzo 67 x 92, 4cm
Minneapolis Institute Art

Gauguin llegó a Papeete en el mes de julio de 1891, habiendo recibido ayuda del Ministerio de Educación Pública para el pasaje a cambio de realizar una serie de imágenes sobre Tahití y sus gentes. Posiblemente sea este paisaje uno de los integrantes de la serie, incorporando en él los ingredientes necesarios de una vista tropical, desde las altas palmeras a las montañas pasando por el nativo de primer plano. 

Quizá sea una imagen tomada directamente del natural o podemos estar ante el producto de la fecunda imaginación del pintor. Gauguin pretende mostrar lo salvaje y lo primitivo que había en esas islas, en este caso a través del impactante color. Amarillos, verdes, morados y naranjas crean una escena envidiable en la que se encontrarían elementos aún impresionistas - la pincelada de algunas zonas y las sombras coloreadas - junto a la aplicación plana del color siguiendo la estampa japonesa. Con esta obra se pone de manifiesto el hechizo de Gauguin ante el lugar elegido para su evasión del mundo occidental.

Tamara Tamaral

2 septiembre 2022

Bibliografia Artehistoria

MUCHACHA AL PIANO ( LA OBERTURA DE TANHÄUSER ) PAUL CEZANNE

MUCHACHA AL PIANO ( LA OBERTURA DE TANHÄUSER )  1869

Muchacha al piano ( la obertura de Tanhäuser )
óleo sobre lienzo 57 x 92 
Museo Ermitage, San Petesburgo

Un interior burgués , una joven al piano ( su querida hermana Rose Cézanne ) y otra mujer de más edad , sentada en un diván cosiendo. El pintor escoge la intimidad de una casa de provincias para poner en escena su profunda fascinación por la música de Richard Wagner , ofreciendo un homenaje humilde y poético a Tanhäuser, la obra del compositor alemán representada por primera vez en París en 1861.

Cézanne comparte con Baudelaire , con el pintor Bazille y con muchos intelectuales franceses el amor por las turbulentas y apasionadas atmósferas wagnerianas 

En 1885 Cézanne hace la primera versión de un cuadro titulado Tanhäuser , a la que seguirá una segunda que el pintor no obstante abandonará Una tercera versión que realizó a finales de los sesenta, llagando a esta escena íntima y en tono menor a la que encomienda la misión de representar el contraste entre la monotonía de la vida provinciana y la irreprimible aspiración al arte ,encarnada por la muchacha al piano . Cézanne retoma en clave simbólica , el feroz dualismo que opone carne y espíritu , tierra y cielo , en el cual se cifraba a juicio de Baudelaire el significado profundo de la obra wagneriana , ya admirablemente anticipado por la obertura

Tamara Tamaral

2 septiembre 2022

Bibliografia : Cézanne , Edit Biblioteca El Mundo
 

EN EL BOSQUE DE GIVERNY CLAUDE MONET

EN EL BOSQUE DE GIVERNY 1887

En el bosque de Giverny
óleo sobre lienzo 91 x 97 cm
Museo de Arte del Condado de los Angeles

En El bosque de Giverny Monet retrata a las hijas pequeñas Blanche Hoschedé que pinta y Suzanne Hoschedé que lee. Continúa la investigación pictórica con intensidad y continuidad , estudiando cuidadosamente las variaciones en las formas y colores de las maravillas de la naturaleza a medida que cambian las estaciones y el paso del tiempo.

Con esta pintura , Monet también reanudó su intento de insertar la figura humana dentro de un paisaje , en este caso el bosque de Giverny . El efecto obtenido es equilibrado y armonioso . Las dos mujeres se combinan perfectamente con el bosque circundante , los rasgos faciales casi incompletos se pierden en los árboles detrás de ellas . Los tonos utilizados para la ropa de la mujer son suaves y en perfecta continuidad con el entorno que las rodea 

Tamara Tamaral

1 septiembre 2022

Bibliografia : Monet, Edit Taschen

JARDINES EN MONTMATRE CERCA DE LA COLINA DE MONTMATRE VINCENT VAN GOGH

JARDINES EN MONTMATRE CERCA DE LA COLINA DE MONTMATRE 1887

La pintura “Jardines en Montmartre” Van Gogh creada en 1887 en París. Después de mudarse a la capital, el artista se reunió con los impresionistas, cuyas ideas innovadoras estaban cerca de él. Junto con otros artistas, a menudo visitaba las afueras de París, capturando sus pintorescos alrededores en sus lienzos.

El territorio de Montmartre, que aún no se había convertido en parte de una gran ciudad, estaba ocupado por campos, jardines, jardines y pequeñas casas de aldea. Van Gogh escribió sus pintorescas vistas más de una vez, inspiradas en la riqueza de tonos y colores, los amplios espacios abiertos y la riqueza de la tierra sin desarrollar

En esta imagen, Van Gogh prestó atención al enorme espacio que se extiende bajo el cielo brillante. Utiliza la técnica del impresionismo, que transmite toda la riqueza y variedad de tonos de suelo y vegetación. Sobre el fondo de un cielo turquesa, salpicado de pequeños trazos lilas de cirros, se levanta un molino, ya su derecha se ve un largo pajar, cuyo inusual color naranja lo convierte en el punto más brillante del horizonte.

Tierra, vegetación, tejados están escritos con energía y energía. Los trazos de colores naranjas y ocres en el primer plano se destacan especialmente, los cuales, lado a lado con fríos, transmiten toda la riqueza de los colores naturales vistos por el autor. Los desbordamientos de sombras dan a un paisaje sin pretensiones una belleza extraordinaria: un motivo simple inspirado en la percepción del artista se vuelve increíblemente atractivo e interesante.

Tamara Tamaral

1 septiembre 2022

Bibliografia . Paiting Planet  

CASAS EN AUVERS VINCENT VAN GOGH

 

CASAS EN AUVERS 1890

Casas en Auvers
óleo sobre lienzo 72 x 60,5 cm
Museo de Boston

La  breve estancia en Auvers - los meses de junio y julio de 1890 - va a suponer para Van Gogh un importante cambio en su paleta. Ahora afloran las tonalidades oscuras complementadas perfectamente con colores brillantes. Así encontramos verdes con rojos, malvas con amarillos, recuperando la teoría de los complementarios avanzada por Delacroix y desarrollada por los impresionistas.

 Partiendo de estos artistas, Vincent va a evolucionar añadiendo el empleo de una pincelada muy particular, con rápidos y empastados trazos que se aprecian con claridad en la tela. Especialmente personal es la utilización de esa pincelada arremolinada, inspirada en el puntillismo de Seurat y en las líneas de la estampa japonesa.

Este delicado paisaje rural de Auvers que contemplamos nos transmite el estado de placidez en el que se encuentra el pintor por estas fechas al haberle diagnosticado el doctor Gachet los síntomas de su enfermedad, barajando la posibilidad de que la causa fuese la inhalación de vapores de trementina en exceso. Pero la mente de Vincent bulle y pronto se disparará un tiro - el 27 de julio de 1890 - en los campos de Auvers que tanto gustaba de plasmar en sus lienzos.

Tamara Tamaral

1 septiembre 2022

Bibliografia Artehistoria 

EL BAÑO JAVEA JOAQUIN SOROLLA

EL BAÑO JAVEA S/ N

El baño , javea
óleo sobre lienzo 
Metropolitam Museum Nueva York

La belleza de las calas de Jávea fascinó al pintor y volvió a su mente de nuevo el tema de de pintar a a niños en la playa . Una niña desnuda manifiesta su miedo a sumergirse en el agua mientras sus dos compañeras de juego disfrutan nadando en el mar.

La niñas están iluminadas por el sol que inunda toda la escena Es un dibujo muy expresivo donde Sorolla ha dibujado muy bien los cuerpos Las pinceladas de las rocas son muy libre y presentan un gran dinamismo Sus variaciones de color , en una amplia gama de colores de tonos ocres, rosas, azules que son consecuencia de diversa incidencia de la luz en relación orientación de las rocas La variedad de tonos ocres y marrones de las rocas en oposición al intenso y compacto azul oscuro del mar en el centro del lienzo , convierte todo el lienzo en un verdadero tesoro cromático en cuyo interior las aguas  resplandecen con la luz del sol 

Tamara Tamaral

1 septiembre 2022

NIÑA DE AZUL AMEDEO MODIGLIANI

NIÑA DE  AZUL 1919

Niña de azul
óleo sobre lienzo 116 x 73 cm
Colección particular 

Alrededor de 1918 fueron muchos los niños retratados por Modigliani entre ellos Niña de azul

La niña se apoya en un pavimento similar a la cerámica en primer plano El dibujo es sutil y delicado destaca los finos rasgos de la niña , los ojos azules y la fina boca apenas insinuada mientras que el rubor de sus  mejillas está muy acentuado. El cabello negro tiene el mismo color que los botines. La cara tiene una gran expresividad

Hay un cromatismo muy interesante: las manchas azules están distribuidas por todo el lienzo : en la pared en el vestido mientras que en el pavimento manchas marrones compiten protagonismo con los trazos negros a base de grandes pinceladas 

                                    Tamara Tamaral

                                    31 agosto 2022

Bibliografía: Modigliani, Edit Taschen

 

PAISAJE TAHITIANO PAUL GAUGUIN

PAISAJE TAHITIANO 1892

Paisaje tahitiano 
óleo sobre lienzo 64 x 47 cm
Metropolitam Museum Nueva York

 Gauguin es considerado por muchos críticos de arte como uno de los mejores artistas de todos los tiempos, ya que fue un destacado exponente francés del posimpresionismo , que influyó en la historia del arte de principios del siglo XX. Creando una tendencia artística llamada cloisonismo y sintetismo 

Gauguin pintó el año 1892 durante su primer viaje a Tahiti .  Estaba entusiamado con la belleza de la isla y se construyó una auténtica ambientación exótica que los plasmó en varios lienzos como en este Paisaje tahitiano.

Influenciado por Van Gogh esta pintura de bellos colores sigue no tanto a la naturaleza sino la idea que tenía de ella.  Gauguin desarrolla una gran expresividad cromática : verdes intensos  dominan casi toda la composición si se exceptúa   el primer plano donde ha aplicado un  color marrón rojizo a un segmento de tierra , al lado pequeñas figuras humanas comparten que comparten el protagonismo con un caballo . Las figuras parecen fusionarse con el paisaje y tiene un elevado grado de abstracción  Al fondo del cuadro un cielo con nubes pintadas en forma de espiral amenazan tormenta 

Tamara Tamaral

31 agosto 2022

Bibliografia : Gauguin Edit El Mundo

JOVEN CAMPESINA CON SOMBRERO VINCENT VAN GOGH

JOVEN CAMPESINA CON SOMBRERO 1890

Joven campesina con sombrero
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
colección particular 

La mayoría de los retratos elaborados por Van Gogh a lo largo de su carrera serán protagonizados por personas de su entorno, con las que mantenía una relación casi diaria y que destacaban por su carácter como en esta joven que aquí observamos. La figura aparece casi de cuerpo entero, sentada ante un campo de trigo apreciándose también algunas amapolas que parecen reflejarse en las mejillas de la campesina.

 El color amarillo domina en la composición, contrastando con el morado intenso de la blusa - jugando con los colores complementarios que ya avanzó Delacroix y que hicieron suyos los impresionistas - cubierta por una serie de puntos anaranjados, relacionándose con la sombra del sombrero. La joven es un personajes volumétrico, con peso, ante el abocetamiento del trigal o de las flores, remarcando su silueta con una línea negra típica de las obras de Bernard y Gauguin. Una vez más utiliza una pincelada rápida y empastada con la que busca su propio lenguaje, su elemento identificativo.

Tamara Tamaral

31 agosto 2022

Bibliografia: Artehistoria

A MONTROUGE ROSA LA ROUGE HENRI DE TOULOUSSE LAUTREC

A MONTROUGE ROSA LA ROUGE 1886 -1887

A Montrouge Rosa le Rouge
óleo sobre lienzo 72, 3 x 46 cm
Philadelphia Merion ,Pennylvania

Henri de Toulousse Lautrec ( 1864- 1901 ) Fue un pintor grabador y dibujante y se conoce como uno de los pintores más conocidos del período posimpresionista junto con Paul Gauguin Vincent van Gogh y Paul Cezanne

Es Carmen Gaudin quien accedió posar para Toulousse Lautrec en este cuadro haciéndose pasar por prostituta Rosa le Rouge en el cabaret le Mirliton en Montmartre Se hizo famosa por las canciones de Aristide Brulant , quien también actuaba localmente en los clubes de Paris. Tiene una expresión particularmente agresiva , con un nivel de hostilidad aumentado por el cabello rojo que cuelga suelto 

Carmen realmente modeló para el artista en varias ocasiones , con otras obras de arte notable .Estos retratos más detallados nos recuerdan a los miembros del movimiento impresionista del que Toulousse Lautrec estaba estrechamente relacionado Eduard Manet, Gustave Caillebotte y Frederic Bazille que usaron un estilo similar en sus retratos de mujeres francesas en una variedad de escenarios , como bañándose o relajándose en un bar o en un club

Tamara Tamaarl

31 agosto 2022

Bibliografia . Henri de Toulousse Lautrec , Edit Biblioteca el Mundo 

PAISAJE DE LA MARTÍNICA PAUL GAUGUIN

 PAISAJE DE LA MARTÍNICA 1887

Paisaje de la Martínica

óleo sobre lienzo 115 x 88,5 cm

National Gallery of Scotland , Edimburgo

La escena de formato apaisado brilla con colores auténticamente " paradisíacos "; el colorido lleva en si un halo de de una impresión de la naturaleza valiosa, fresca y primigenia como si  se tratara del paraíso terrenal de Adán y de Eva. El paisaje se convierte en sinónimo de pureza y armonía 

El panorama de la bahía de Saint -Pierre desde el pueblo de Le Carbet, el artista escondió voluntariamente las casas de la capital y pintó volcán Peleé más macizo de lo que era , y más cercano a la costa ,para dar más fuerza al paisaje . El contraste entre la vegetación y los azules ( oscuro  del mar y claro del cielo ) recuerdan algunas vistas costeras pintadas por Cézanne en la localidad de L´Estaque

Tamara Tamaral

30 agosto 2022

Bibliografía : Atlas del Impresionismo

EUGÈNE MANET Y SU HIJA BERTHE MORISOT

EUGÈNE MANET Y SU HIJA 1881

Eugène Manet y su hija
óleo sobre lienzo 73 x 92 cm
Colección particular 

Berthe Morisot y Eugène Manet se conocieron gracias a la estrecha relación entre la pintora y Edouard Manet, casándose en 1874. Años después nacería una niña llamada Julie, que aparece en esta escena junto a su padre en el jardín de su casa de Bouguival. Las dos figuras están al aire libre, siguiendo la filosofía impresionista, tomadas directamente del natural. La luz solar inunda la escena diluyendo los contornos de los personajes, de los arbustos y las plantas, en una sensación atmosférica de gran belleza.

 Los colores empleados son muy vivos, destacando el verde y el rosa, aplicados con un virtuosismo técnico difícil de superar. Esos toques de pincel aparentemente desordenados conforman el conjunto, trabajando Morisot en un estilo cercano a Renoir y Monet aunque con una fuerte impronta personal. Estos cuadros de la vida familiar serán seguidos por Mary Cassatt con gran éxito.

Tamara Tamaral

30 agosto 2022

Bibliografia : Artehistoria 

RETRATO DE LA BARONESA ELIZABETH BACHOFEN-ECHT GUSTAV KLIMT

RETRATO DE LA BARONESA ELIZABETH BACHOFEN-ECHT 1914

 

Retrato de la baronesa Elizabetb Bachofen- Echt
óleo sobre lienzo 180 x 128 cm
Colección privada

En los retratos de mujeres de la alta sociedad de su última etapa, Gustav Klimt recurrió a los fondos de inspiración oriental, como lo había visto en las obras de Vincent Van Gogh y Claude Monet , durante su viaje a Paris .

 

Los fondos de se convierten desde entonces en una paleta de multitud de colores que representan motivos típicos copiados del arte japonés , chino y coreano :guerreros , flores, aves, caballos...la moda oriental influyó en su vida privada y en su mundo artístico.

Elizabetb Bachofen- Echt era hija de August y Serena Lederer, quien también fue retratada por Klimt en 1899. En este retrato el pintor escogió figuras de hombres y mujeres chinos para el fondo que no da tregua al espectador del cuadro porque es difícil detener la mirada en un punto concreto. La protagonista , que parece tener una media sonrisa, mira de frente al pintor, la figura del cuadro es elegante y destila frescura. El vestido es blanco y algunos críticos han querido ver una novia, dato que nunca ha sido confirmado

                                         Tamara Tamaral

                                         30 agosto 2022

Bibliografia : Klimt, Edit Taschen

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